...

En författares öga för fotografi

Att filma bakom huvudpersonens rygg, vilket ofta används i filmer, ger intrycket av att se scenen genom hans ögon, vilket gör att vi ofrivilligt identifierar oss med honom. I allmänhet är betraktarens identifiering med någon författaren eller hjälten eller något i konstverket ett övergripande tema i all konst och ett viktigt kriterium för att vi har att göra med konst.

Igor Narizhny

Det är sant att bilden togs slumpmässigt, utan några större förväntningar, men den visade sig vara dagens bästa bild. Du kanske minns att Cartier-Bresson enligt ögonvittnen inte fotograferade särskilt mycket, och andelen avtryck han tog var enligt många vittnesmål ganska standard, dvs. e., Om han hade arbetat på vårt förlag skulle han ha varit tvungen att lyssna på en revisor som klagade: han skulle säga att han hade tagit två filmrullar men bara tre till utgåvan, och att det var rent slöseri. Praktisk slutsats: skjut vid minsta uppmaning – det finns fler chanser.

Bilden ”fungerar” tack vare kompositionslösningen: det finns ett snett korsschema raden av bord-stolar och hjältens blick korsar den, vilket vi spekulerar om , och för övrigt är det ett av de fall där en beskuren sensor skulle ha gett ett bättre resultat än en fullformatssensor, som här de oskarpa detaljerna högst upp i bilden skulle ha undvikits bättre .

Canon EOS 5D, 24-105/4L vid 75mm, ISO 100, 1/15 sek, f/7.1, exponeringskompensation -1/3, bländarprioritet.

Den viktigaste frågan om fotografi är: varför behöver människor det överhuvudtaget?.

”Mina porträttfotografier säger mer om mig än om personerna jag fotograferar.”.

Richard Avedon

Varför?.. Om du arbetar med fotografering är det en annan sak. Fotografen Vladimir Arkhipov har mer än en gång sagt att i hans ögon är en seriös amatörfotograf högre rankad än en professionell, eftersom vägen från honom till mästaren är kortare och rakare, och en professionell fotograferar korv.

Det som är sant är sant: alla som fotograferar för pengar kommer att bekräfta att en stor del av den betalda fotograferingen består i att de tar dig till en ful plats och säger: ”Ta en bild av det här, vi behöver den till en katalog. Därefter kommer behärskning av teknik och teknik.

Naturligtvis är det alltid en glädje om man har en acceptabel skicklighet och om bilden är bra jag kommer aldrig att tröttna på att undra vilken barnslig entusiasm en sann fotograf, även om han redan är gråhårig, uppvisar i den mycket tekniska processen att ta bilden , men det ändrar inte saken: man kan också ta en glädjande bild av en korv.

Det är annorlunda när en person fotograferar för att han eller hon har ett inre behov: ”Jag gillar det”. Drivkraften att uttrycka sig sitter i psyket och manifesterar sig på ett ohejdbart sätt: vissa människor fotograferar, andra komponerar, andra tillverkar hantverk, och om inget av det finns – skriver de på staketet..

Alla konstverk är värdefulla, framför allt för att de är en spegel där en person kan se sig själv objektivt om han eller hon försöker och vill som Viktor Ivanovskiy säger: om du är sentimental är dina foton sentimentala; om du är dum är dina foton också dumma . Och det finns ingen annan spegel alls. Det vill säga, utan konst kommer du att ses av andra mycket bättre än vad du skulle vara själv, men med konst får du en värdefull chans att se, förstå och förbättra dig själv.

Just i detta sammanhang är det också värt att påminna om Sekou Asaharas ord, som avrättades för gasattacken i Tokyos tunnelbana: han menade att det värsta straffet väntar konstnärer och underhållare i livet efter detta, eftersom de lär människor att reagera på sin omgivning på ett falskt främmande sätt. Sett till vackra prover upprepar en person någons ord och grimaser i stället för att reflektera det som berör honom personligen, dvs. vem han är i grunden.

Frågan är alltid svår och ibland till och med smärtsam, och enkla svar som ”jag är argentinare” eller papua , ”jag är fotbollssupporter” eller ”jag är rockare” kommer inte att tillfredsställa en krävande person på lång sikt. Främmande, föreslagna varianter är farligare: de är inte så enkla och kan fastna i en människa för alltid. Vi är faktiskt ganska bekanta med dem – de är fotografiska frimärken.

”En kamera kan ta en bild av en tanke.”.

Dirk Bogarde

Ett av de bästa subjektivt, förstås och definitivt mest intressanta sätten att hantera alla dessa frågor är fotografering. I varje skede av skapandet motiv, komposition, vinkel etc. försöker fotografen Dirk Bogarde förstå kärnan i fotografens roll.Dirk Bogarde fotografering är alltid ett val, ett sökande efter den mest intressanta lösningen från en viss mängd möjliga lösningar.

Det verkar som om vi i varje fall begränsas av några få varianter, men en musiker har bara sju toner till sitt förfogande och ingen klagar över att det inte finns något utrymme för utveckling. Varje hemmafru gör en soppa av i princip samma mängd potatis, kött och salt, och den är alltid annorlunda. Det är i de små särdragen i valen i varje fotografiskt skede som den materiella grunden för upphovsmannens ursprung ligger, det råmaterial som den är gjord av.

Du kan ta bilden från den plats där du står, eller så kan du backa tillbaka eller sätta dig ner. Du kan rama in ett hörn av en byggnad eller lämna ett tomt utrymme runt kanterna. Du kan införa exponeringskompensation minus två eller låta den vara noll… Så det finns ett val. Eftersom fotografiet i sin egentliga variant till största delen är en icke-verbal konst det vill säga att ingen bild kan ersättas ens med den mest detaljerade verbala beskrivning, det finns alltid något som är obeskrivligt, ineffektivt i ord , så görs valet intuitivt varje gång.

Naturligtvis kan varje fotograf lätt förklara efter fotograferingen varför han eller hon satte sig ner eller mörklade ramen, men det betyder inte så mycket: om två vältaliga fotografer fotograferar ett och samma motiv på olika sätt, kan du vara säker på att de båda kommer att motivera sitt val på samma sätt. Motiveringen kommer senare, när du redan har fattat ett intuitivt beslut. Det är det som måste utvecklas först, och det kommer i sin tur att utveckla dig.

”Det finns inga regler för en bra bild. Det finns bara bra bilder”.

Ansel Adams

Det är avvikelser från de mest uppenbara, banala valen – i fråga om motiv, komposition eller något annat – som betraktaren omedelbart registrerar som de mest värdefulla, lika intuitivt som de kommer till fotografens sinne eller omedelbart till hans hand .

De skapar ”intressepunkter” och deras kombination är stil. Författarens originalitet, som ligger till grund för allt, kan konventionellt definieras som författarens inställning till sin stil, när han stilen uppfattas som ett verktyg.

Och det går inte att lura subcortex: alla typer av konstruerade, snarare än intuitiva, strukturer är lika omedelbart igenkännbara för betraktaren som falska och därför ointressanta. En fotograf bör se sin ram ett ögonblick innan han tar en bild det händer förstås att han ser ramen, men att något inte stämmer överens eller är i vägen: till exempel fel bakgrund eller extra personer, och han måste vara försiktig så att han inte spiller ut det, utan behåller det han ser i sitt huvud och i eldsjälar för att förverkliga sin idé . Man måste se på ett sådant sätt att känslor och andra saker väcks i bilden, och sedan har man en chans att fotografera på ett sådant sätt att det väcker känslor hos betraktaren.

”Jag frågar mig aldrig vad jag ska göra. De berättar detta för mig själva. Fotografierna skapar sig själva med min hjälp”.

Ruth Bernhard

Betraktaren är naturligtvis bra, men inte alltid och oundvikligen bra. Om uppgiften är att reda ut sig själv och det är därifrån författarens originalitet kommer kan författaren vara en ganska självständig betraktare: tänk på Gauguin, Van Gogh eller en nyligen upptäckt barnflicka från Chicago, som i hemlighet har fotograferat sig själv i hela sitt liv och som redan har jämförts nästan med Bresson men om man kommer ihåg att jämförelsen görs med antikhandlare som måste sälja hennes samling är det ingen tvekan om det .

I alla fall behöver du ingen publik i de första stadierna av den fotografiska utvecklingen, när det inte är lätt att förklara för någon utanför eller till och med inom dig själv vad som händer i din bild och vad du vill ha

I det här skedet har den blivande fotografen den encyklopediska uppgiften att prova så många olika lösningar som möjligt på ett visst fotograferingsproblem, inklusive inte alltför uttjatade stämplar, och sedan noggrant, med Asaharas ord i åtanke, granska resultaten och försöka avgöra själv: vad är mitt, vad är inte mitt i verkligheten är det mycket mer intressant och roligt än vad man kan anta utan övning . Det här är ett viktigt steg: varje teknik är en sten i väggen till det personliga stiltemplet. När du har en viss erfarenhet på området och en viss automatik är en kritisk betraktare värdefull.

”Jag tog inte en enda bild på det sätt som jag skulle ha gjort. De blir alltid bättre eller sämre.”.

Diane Arbus

En av de farligaste och mest fördärvliga frestelserna inom fotoutbildningen, särskilt i början, är strävan efter snabb perfektion det finns en liknande fälla inom kristen praktik – när en nykonverterad försöker bli ett helgon så fort som möjligt . Var får du den där perfektionen i det första skedet??

Det enklaste och snabbaste är på sidan. Men om man försöker kopiera någon annans perfektion och föra den vidare som sin egen, dödar man de impulser som en stor bild en dag skulle kunna ge upphov till, om den utvecklas på rätt sätt. I denna mening kan berättelsen om Ivan-Tsarevitj, som i förtid brände sin frus grodskinn, också läsas som ett kodat råd till en ung fotograf.

Gå så länge som du måste i skinnet, även om det inte är Calvin Klein eller lidande din musa i det , så kommer du att bli bättre. Imitation är inte bara ohållbart – den dödar det viktigaste fröet som ska vårdas och vattnas – den personliga författaren. Och om du ger den lite kraft kommer det att hända som i anekdoten: ”När jag blir stor ska jag ha så många av de här som du vill ha. Så det rekommenderas starkt att en fotograf, särskilt en nybörjare, hooliganism och experiment – det är ljus, medveten och avsiktlig imperfektion, avvikelser från regler som utgör en personlig stil, och om du är en hälsosam egoist, finns det inget viktigare än det.

”Om en gammal vas är vackert skulpterad och vackert målad är den vacker enbart av den anledningen. Men jag tror inte att samma sak gäller för fotografering. Om den inte har något lite konstigt, lite ofullständigt, kommer den bara att se ut som en kopia av något fint. Det kommer knappast att vara av intresse för oss.”.

John Loengard

Den fotografiska verktygslådan är naturligtvis speciell. En konstnär som jag känner var förvånad: ”Det måste vara svårt för er fotografer att hitta ett ämne så att allt kan sammanfalla och ni har tid att fotografera. Med oss, med konstnärer, är det mycket enklare: man lär sig, utvecklar sitt sätt och målar sedan efter eget tycke och smak.

Det finns en anledning till det: fotografen är verkligen mer beroende av sin omgivning. Det är därför som ett sortiment av alla möjliga trick kommer från alla håll och kanter. Det finns alla möjliga knep under exponeringen ledningar, till exempel , och hemgjord optik, och ”Photoshop”. Alla verktyg är bra så länge de ger resultat. Argumentet att ett ”rent” foto dvs. utan Photoshop alltid är överlägset och bättre verkar äntligen ha lagt sig.

De har något av en sport i sig. Det är som att säga att om en ninja dödar sina fiender med fem olika vapen och en annan med en enda pålitlig katana, så är den andra överlägsen. Det kan vara så, men det behöver inte vara så – det är mycket viktigare hur många och vilka fiender som har dödats av den ena och den andra. Men om man är en fan av katana blir detta tillvägagångssätt förstås mer förståeligt.

”Fotografier tas inte, de skapas.”.

Ansel Adams

När vi ändå pratar om Photoshop kan det vara bra att komma ihåg ett obehagligt faktum för fotografer: Cartier-Bresson slutade fotografera i slutet av sitt liv och började måla. ”Det var allt! – ropade en annan konstnär som jag känner. – Ni fotografer är fetischister! En riktig konstnär vet att allt detta, kameran och målningen, bara är verktyg i hans händer!”Så kanske Photoshop kommer att ansluta sig till oss en dag.”.

Men tillbaka till tittaren. Ämnet betraktare och, i vidare bemärkelse, bedömningen av ditt arbete kommer mycket snart i kontakt med frågan om kulturell miljö och kontext. Det finns en stark koppling till författarens början. En konstnär lever inte i ett luftlöst rum, och samhället är mycket viktigt för honom. Naturligtvis är samhället vid första anblicken stort och i det vanliga livet bryr sig ingen om att kommunicera endast med en snäv krets av några få utvalda.

Men när det gäller den kulturella matrisen är det lite mer komplicerat. I praktiken har vi antagit västerländsk fotografi som vår standard för excellens. Detta är inte förvånande eftersom hon verkligen har gått långt, och det är inget fel med det. Man måste helt enkelt från tid till annan välja exempel att ta efter, för att tydligt kunna skilja mellan två sidor: den tekniska nivån på utförandet och betydelsen av varje enskild bild i den kulturella kontext där den skapades.

Man kan inte undgå att notera att framstegen med att ta till sig västerländsk erfarenhet i den första, tekniska delen har varit mycket snabbare än framstegen i den andra. Och detta är oundvikligt: en fotograf som har vuxit upp i en annan miljö har stora svårigheter att fånga de intuitiva betydelser som är kodade i europeiska fotografier, på samma sätt som vår konstnär inte fysiskt kan ta emot de problem som bekymrar européerna tillräckligt nära sitt hjärta för att kunna tala om dem på ett intuitivt språk med en europeisk betraktare, oavsett hur flitigt han skapar de mest högljudda europeiska mästerverken.

”Det finns alltid två personer i en bild: fotografen och betraktaren.”.

Ansel Adams

Du behöver inte gå långt för att hitta exempel. Varje nybörjarfotograf kan, om han eller hon anstränger sig tillräckligt mycket, behärska professionella tekniker för fotografering av modern västerländsk mode till exempel . Men det är få som verkligen förstår modern västerländsk konstfotografi, inte tillämpad konst som mode och reklam.

Det är inte bara någons experiment, till och med Andreas Gurskys verk, vars status som mästerfotograf bekräftas av miljonförsäljningar, kan ge upphov till en viss oro för om vi blir lurade? Vilken Warhol i vår tid? Endast de många nollorna i auktionsrapporterna är på något sätt lugnande. Det ser ut som om de inte låter sig luras för så mycket pengar.

Vart vi är på väg med detta? Gursky är bara ett exempel för tydlighetens skull. Poängen är att vi lär oss och till och med märker tekniska knep mycket snabbare än semantiska knep. Denna situation är inte idealisk, men den är vanlig. Och slutsatsen är den mest banala: man måste lära sig! Inte bara ”hur”, utan också ”vad”, ”vad” och ”varför”. Eftersom vi talar om författarens början är det bra att försöka se till att ditt huvud inte är för långt bakom dina egna händer. Och det händer, ja, det händer!

”Jag är inte intresserad av fotografi i sig. Jag vill bara fånga en liten bit av verkligheten.”.

Henri Cartier-Bresson

Lycka till med att ta bilder!

Flickan och dockan

Studiofoton även om de här är från en studio med bara ett par softboxlampor i ett vanligt rum bör fyllas med ett allegoriskt innehåll när det är möjligt, eftersom deras bokstavliga innebörd riskerar att trivialiseras. Masken – både den levande och den odöda, flickan naken och maskerad på samma gång, mor och barn – flera ”eviga” frågor är staplade här, och fotograferna kommer att ge svaren på dem till slutet av århundradet. Precis som på filmens tid är lokala mörker- och ljusförbättringar som gjordes i tryck på den tiden fortfarande ett kraftfullt uttrycksmedel. Hela den högra kanten av ramen är mörkare här medan flickans och dockans ansikten är framhävda.

Canon EOS 5D, 70-200/4L vid 105 mm, ISO 200, 1/125s, f/11, manuellt läge.

På en shoppinggata i Kemer, Turkiet

En av de historier som vi ser dussintals gånger om dagen, men den här gången lyckades vi få bort den från det visuella flödet. Ramen är uppdelad i ett antal tvetydigt sammanhängande delar, och deras korrelationer utgör dess huvudintresse, även om det uppenbara sambandet mellan den scharlakansfärgade markisen högst upp och dess reflektion i den cirkulära spegeln verkligen dominerar. Ramen måste bearbetas något i Photoshop, genom att ljusa upp kanten på den snedställda gardinen, och de bländande vita detaljerna till vänster om markisen mörklades tvärtom, så att de inte skulle vara den ljusaste delen av ramen. Fångad på flykt på shoppinggatan i Kemer i Turkiet.

Canon EOS 5D, 24-105/4L vid 47mm, ISO 200, 1/200 c, f/9, exponeringskompensation -1/3, bländarprioritet.

En monolitisk bild

Att producera ett författarverk i studiofotografering kräver framför allt fantasi, en lättsam attityd, avsaknad av lathet och ibland hänsynslös huliganism. Det är viktigt med uttrycksfulla detaljer – som med de falska ögonfransarna och den improviserade tiaran. I monokromt läge tar man bort den onödiga färginformationen och skapar en monolitisk bild.

Foto av Egor Narizhny.

Canon EOS 5D Mark II, 70-200/2.8L vid 95 mm, ISO 100, 1/200 c, f/9, manuellt läge, studioljus.

En bra bakgrund för bilden

Ofta fotograferar du en fantastisk plats och sedan tittar du på bilden på skärmen och inser att det inte är en bild, utan bara en bra bakgrund. Jag tog den här bilden med ett intresse för den grafiska utformningen av skuggor och kolumner, men det är mycket möjligt att om vinden inte hade blåst och om duken på det bortre bordet inte hade dragits upp något skulle bilden aldrig ha tagits och skulle ha hamnat i arkivet för ”platser där ingenting händer”, som många andra gör. Slutsats ett: När du fotograferar vill du hålla ögonen öppna för detaljer och reagera snabbt och intuitivt. Slutsats två: gör fler tagningar. Den här bilden var en av fem, och även om de alla togs inom en minut ser de alla olika ut på skärmen.

Genom att utföra Photoshop-bearbetning sänkte du färgmättnaden och justerade ljusstyrkan.

Canon EOS 5D, 24-105/4L vid 45 mm, ISO 100, 1/400s, f/10, exponeringskompensation +1/3, bländarprioritet.

En skrädderi på en nattlig gata i Vientiane, Laos

Detta är en skrädderi på en gata i Vientiane på natten i Laos. Skyltdockor med ofärdiga kavajer ser mycket betydelsefulla ut på kvällen i det livlösa skenet av lysrörslampor.

Nattfotografering är en outtömlig samling av bisarra – på ett bra sätt – motiv som presenterar bekanta saker på ett bisarrt sätt. Du behöver inget stativ för detta; en stabilisator och en kamera som klarar av hög känslighet ger dig mycket utrymme och gör att du kan reagera omedelbart, medan stativet kräver ett omdömesgillt tillvägagångssätt. Natten, åtminstone i färg, förändrades helt av digitaliseringen: med diapositivfotografering skulle man ha behövt göra dussintals mätningar med en bra spotmeter, men nu räcker det med en snabb bild och en snabb bildkorrigering.

Nattbilder är också intressanta eftersom de ger oss möjlighet att bevara färgernas överflöd i artificiellt ljus. RAW rekommenderas starkt.

Canon EOS 5D, 24-105/4L vid 40 mm, ISO 1600, 1/10 c, f/5.6, exponeringskompensation -1, bländarprioritet.

Ett modellliv

Från serien ”Life of a Model”. De unga kvinnliga modellernas överdrivet glada twittrande i modefotografier kan leda till den typ av huliganism som återspeglar den urgamla uppdelningen av mäns syn på kvinnor i två ojämlika delar: ovanför och under halsen. Jag tänkte ett ögonblick att det skulle vara bättre att låta mitt huvud vara utanför bilden.

Trots detta framstod bilden som ganska hälsosam, livlig och känslomässig, men uppvärmd av färgmättnaden.

Pentax 645, 75 mm, Ektachrome 100S, 1/60 c, studioljus.

En gatuscen i Istanbul

En Istanbulbaserad gatuscen i samma anda som ett reportage från 1950- och 60-talen: ett flyktigt ögonblick, en uttrycksfull blick, en vag inledning. Denna stil var frukten av en kreativ förståelse för den då framväxande tekniska möjligheten att fotografera på en gång, utan mycket förspel, och i centrum för dess filosofi – ögonblickets förgänglighet och unika karaktär, det flyktiga rummets estetik. Det är synd att när kamerornas tekniska talanger har ökat ännu mer, och förmågan att fånga ett ögonblick från tidens gång har blivit något som man tar för givet, så har det slutat att inspirera fotograferna.

Olympus E-3-kamera, Zuiko Digital 14-42/3.5-5.6 vid 23 mm Eq. 46mm , ISO 100, 1/160c, f/4.5, exponeringskompensation -1/3, bländarprioritet.

Katedralmuren och den svarta silhuetten i förgrunden

I den här bilden är ”huvudpersonerna” katedralmuren och den svarta silhuetten i förgrunden. Vem av dem som är ”viktigare” är oklart, och denna osäkerhet är orsaken till handlingen spänning.

Intressant nog ser den vänstra sidan av ramen lite ihålig ut, men den motstår aktivt försök att beskära eller minska den flera försök har visat att det är bättre att låta ramen vara som den är .

En Pentax 67, 90mm, svartvit film.

På en skolbal

Översättningen till svartvitt leder ofta till att texturen, som är lika varierad som livets hav, betonas och sätts i förgrunden i bilden. Fokuspunkten i den här flyktiga bilden, som togs på en skolbal, är flickans oavsiktligt muskulösa rygg; allt annat fungerar som hennes bakgrund, om man så vill – hennes livsmiljö och snörningen som en slags piedestal. Eftersom sviten är kungen, är det också bildens mittpunkt motiv, komposition osv. som gäller. d. lever inte utan många underordnade och perifera delar som upptar mycket mer utrymme i ramen än själva centrumet. Så den praktiska slutsatsen är: skynda dig inte att klippa de oviktiga delarna, och om du bestämmer dig för att klippa den, återställ Ctrl+Z genväg den ursprungliga versionen och kontrollera igen om bilden är korrekt, om några oklara men viktiga kompositionella delar inte har gått förlorade. Foto av Egor Narizhny.

Canon EOS 5D, 70-200/2.8L vid 70 mm, ISO 1250, 1/160c, f/5, bländarprioritet.

Arkitektoniska detaljer

Arkitektoniska detaljer kan vara uttrycksfulla och ibland till och med verka levande – som här, där ett tegelmurat fönster i ett gammalt romerskt hus har kommunicerat med ett cirkulärt hål i århundraden om man bara visste vad det handlade om . Den ursprungliga bilden var mycket större av en prosaisk anledning: vid den tiden hade jag ännu inte sparat ihop till en uppsättning med den här kameran och inramningen visade att det skulle vara bättre att skära cirkeln ”som den är” och inte leka med proportionerna av den tomma väggen ovanför och nedanför fönstret.

Pentax 67, 90mm, svartvit film.

De strukturerade väggarna i Atens gamla bostadsområden

De strukturerade väggarna i Atens gamla kvarter är en frestelse för fotografen. Som alltid betonar den svartvita färgskalan textur, och det finns gott om det här: skarpa mörka blad, grova väggar och vitkalkade gångar. De aktiva ytorna väggen är extremt uttrycksfulla i sig själva, men måste noggrant ”spelas ut” med accentdetaljer och det omgivande mediet. För att få ett intressant resultat krävs övning och noggrann granskning av resultaten.

Pentax 67, 55 mm, svartvit film.

Betygsätt den här artikeln
( Inga betyg ännu )
Alva Ulsson

Hej! Jag heter Alva Ulsson och jag är en erfaren konsult inom hushållsapparater. Med årens erfarenhet vill jag dela med mig av värdefulla kunskaper och tips relaterade till hushållsapparater.

Vitvaror. TV-apparater. Datorer. Fotoutrustning. Recensioner och tester. Hur man väljer och köper.
Comments: 2
  1. Anders

    Hur påverkar en författares öga för fotografi deras skrivande och berättande?

    Svara
  2. Hanna Holmgren

    Vad tar din författares öga för fotografi med sig till berättelserna?

    Svara
Lägg till kommentarer