Photobiennale 2012: en översikt över FotoBiennale

Photobiennale är den största Svenska fotofestivalen. Den hålls vartannat år och alternerar med ”Fashion and Style in Photography” av Multimedia Art Museum tidigare Stockholm House of Photography . År 2012 är det nionde året som Photobiennale arrangeras, med mer än 60 utställningar. Enligt arrangörernas koncept skulle de alla ”knytas ihop” kring två teman: huvudtemat var ”Fokus – USA” 2012 förklarades vara USA:s år i Sverige och Sveriges år i USA och ”Filmskapare – fotografer och fotografer – filmskapare”.

Chris Marker. Från serien ”Koreaner”, 1957

Med tillstånd av konstnären och Peter Blum Gallery, New York

Till skillnad från tidigare år 2008, till exempel, då Andreas Gurskys retrospektiv visades i Stockholm och ”The First Flower” – en ljus utställning om färgfotografins historia i Sverige, sammanställd av MDF:s kuratorer hade inte fotobiennalen 2012 någon sådan höjdpunkt. Generellt sett gav festivalen i år, mot bakgrund av festivalens sedvanliga ”födelsemärken” t.ex. vaga teman och avsaknad av en enhetlig konceptuell ram , intrycket av en särskild ”oskärpa”, som om intresset för själva idén hade uttömts av arrangörerna. Han lyckades inte – vilket många noterade – att tända den vanliga energin av kreativitet och entusiasm när det gäller att presentera fotografins skatter. Trots detta fanns det även denna gång ett intressant urval av utställningar av västerländska konstnärer, inklusive de som arbetar i skärningspunkten mellan samtidskonsten och den samtida konsten. De var kanske den starkaste punkten i den pågående fotobiennalen.

Nutid är som bekant inte bara ett ord för att beskriva nutid man skulle kunna säga samma sak om sin tid på 1500- eller 1700-talet . Modernitet är ett specifikt stadium i kulturens utveckling, där det traditionella samhället bryts ner, värdet av allt innovativt mångdubblas och stadsmiljön blir ett samhälle i ständig förändring. Den amerikanska kulturen är något av en viktig symbol här – den har alltid legat i framkant av moderniteten, både positivt och negativt. Det är därför inte förvånande att presentationen av ”dagens problem” så passande ställs mot det ”amerikanska temat”. För Sverige, med vår oroliga historia, med dess ständiga önskan att ”komma ikapp och överträffa” någon, med dess monstruösa erfarenhet av våldsamma moderniseringar och samtidigt med dess ständiga önskan att hoppa av utvecklingen och frysa i ”gemenskap” och ”sobornost”, är detta förmodligen en av de mest angelägna idéerna för reflektion.

Flera projekt av författare som är så olika men i många avseenden konceptuellt och begreppsmässigt lika som Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei och Alec Sot låter här ett enhetligt och sammanhängande resonemang om ett visst tema.

En av dem är Shore’s Amazing Places. Efter att ha rest runt i Amerika på sjuttiotalet och publicerat Uncommon Places 1982, har Shor varit pionjär inom flera av de mest aktuella trenderna inom konceptuell och dokumentär fotografi. Hans ögonblicksbilder av de enklaste scenerna i vardagen bygger en bro mellan den tid då hans verk skapades och vår egen tid: efterkrigstidens väg- och gatufotografi, födelsen av ett seriöst intresse för färg här nämns Shores namn tillsammans med William Egleston , Bechers ”lidelsefria” forskningsfotografi, inflytandet på Nan Goldin, Andreas Gursky och Martin Parr och det nuvarande intresset för det banala som konstnärligt.

Parr representerades av sitt berömda projekt The Last Refuge. Fotografier från New Brighton 1983-85″. Även om det i ett pressmeddelande står att serien har ”inkluderats i tidningen The Guardians lista över ’1000 konstverk du måste se innan du dör'”, väckte den inledningsvis en mycket blandad reaktion. En del av allmänheten uppfattade den som en skarp och frätande politisk satir, andra som ett hån mot arbetarklassen som tillbringar tid på en resort i Brighton det engelska ordspelet här är förstås en ordlek: ordet resort betyder både ”skydd” och ”resort” . Parrs blick kombinerar en kallt distanserad ilska mot att förödmjuka människor inför politiker med en? till dårskapen hos de människor som låter sig manipuleras? och beundra färger, texturer och skönheten i det vardagliga.

Parrs verk påminner om Taryn Simons samlingsutställning Photography and Texts som visades i början av festivalen, innan den officiellt öppnades. Bilderna från två projekt är särskilt imponerande: ”The Innocents” 2003 och ”American Catalogue of the Hidden and Unknown” 2007 . Den förstnämnda visar porträtt av personer som dömts för andra personers brott på grundval av deras falska fotoidentifiering. DNA-tester räddade brottslingar från avrättning eller livstids fängelse, men många fick sitta i 10-20 år. ”Den amerikanska katalogen”. – En serie fotografier av objekt som utgör grunden och hörnstenarna i det amerikanska livet, men som förblir ”osynliga” för den genomsnittlige medborgaren och betraktaren: centret för lagring av kärnavfall, Cryonics Institute där frusna lik som väntar på återuppståndelse förvaras i speciella kapslar, CIA:s högkvarter där en permanent utställning med samtida konst döljs för insyn, varav vissa genrer bibehålls för att främja ”American way of life”, och så vidare och så vidare. Simons verk är medvetet ”neutrala”, ”utforskande” och åtföljs av ganska långa texter, och synliggör det okända, inklusive det propagandistiska och ideologiska, och utforskar klyftan mellan fantasi, fiktion, manipulation och verklighet. Och även mellan text och bild. Simon utforskar fotografiet som bakgrund till det moderna livet och pekar på dess roll i konstruktionen av vårt medvetna och omedvetna.

”The Invisible Man” av Liu Bolin är en utställning som blir både en mjuk men mycket definitiv kommentar till det kinesiska politiska och sociala livet och stora världsproblem i allmänhet och en överraskande reflektion över fotografins natur, där man utforskar en mängd olika strategier och typer av världskonst, optiska illusioner och perceptionens lagar. Det som på nära håll ser ut som en bild där varje detalj är urskiljbar visar sig på avstånd vara en hieroglyfisk bild där alla ”streck” och ”tecken” smälter samman till en enda bild, medan personen i egenskap av författare helt enkelt försvinner.

”Relentless Beauty” av Soth verkade vara ett olyckligt kuratorsprojekt, vars urval och arrangemang gjorde att upplevelsen av en av vår tids mest intressanta konst-dokumentärkonstnärers verk blev otydlig. Som berättare och skapare av bokserier ger Soth sitt arbete en märklig kvalitet som vi redan har sett med Simon och Bolinh – ett ironiskt utforskande av fotografiets sömmar som ”medium”, som också är ganska filmiskt, där han komprimerar hela filmens utrymme till en kraftfull, komplex enda bild.

Från bilderna av Shore, Parr, Simon, Bolinia och Sota går tråden vidare till andra Fotobiennalprojekt, och samlar och sammanfogar själva strukturen för Fotobiennalen. Å ena sidan mot ”arkiv” och historiska utställningar, å andra sidan mot sammanflödet av olika konstformer – den här gången främst representerade av text, fotografi och film.

Ett av de första projekten var en stor utställning i New York. 1983-1993″ av den kinesiska konstnären Ai Weiwei, som arbetar med fotografi. Ai Weiwei, som av tidskriften Art Review utsågs till ”den viktigaste” på förra årets lista över ”inflytelserika konstnärer i vår tid”, var fram till nyligen en officiellt erkänd författare och blev en av symbolerna för Kinas opposition 2008. Konstnären misshandlades efter att ha stött en oberoende undersökning av jordbävningen i Sichuan, inklusive korruption inom byggbranschen. Han arresterades sedan, hans ateljé förstördes och ett fall av skatteflykt inleddes mot designföretaget. Genom prenumerationer samlade man in 1 miljon euro till projektet. Projektet, som presenterades på Photobiennale 2012, gjordes långt före dessa evenemang. Utställningen innehåller cirka 200 bilder av New York City av 10 000 , bland annat följande. . Det är något som liknar en reseberättelse, fast den är inte gjord för hand utan med kameran och blir en heltäckande encyklopedi över det lokala livet. Förvåning över västvärlden, detaljerad dokumentation av möten med konstnärer, inklusive berömda fotografer som Robert Frank, och helt enkelt vardagliga scener, inklusive invandrares liv, är alla närvarande i Ai Weiweis projekt. Den märkliga blicken hos en förvirrad och förvirrad besökare från en annan kultur med en annan estetisk tradition uppmärksammar och reflekterar paradoxalt nog något grundläggande, inälvligt och viktigt i New York, samtidigt som den fotografiskt avslöjar de tidigare lager av det visuella, som kulturen själv hade glömt bort.

Fotobiennalen innehöll också minst tre andra intressanta utställningar: ”From the Heart” av Walter Rosenblum ”socialt orienterade” dokumentärfotografier av Hine och Strand , ”America, A View from the Car” av Lee Friedländer ett av de senaste projekten av gatufotografens pionjär, svartvita reflektioner av Amerika i backspegeln, fantastiska korsdrag av vardagliga scener och oväntade vinklar och ”New York” en fotoutställning av Lee . 1955″, en gång berömd av William Klein han bröt mot Cartier-Bressons princip om den ”osynlige fotografen”, övergav teknisk perfektion till förmån för spontanitet och det skandalösa spåret av anklagelser mot den 27-årige författaren för att han visade amerikaner som alltför oattraktiva och New York som en slumstad .

Två mycket intressanta ”arkivutställningar” bör också nämnas här: ”The Art of the Archive”. Fotografier från LAPD:s arkiv” och ”Fearless Genius: The Digital Revolution in Silicon Valley 1985-2000” av Doug Menuz. Först och främst verkar båda utställningarna vara intressanta på grund av själva materialet, dokumentationen av vad som händer. Men vid närmare granskning väcker de en fråga som har ställts många gånger i fotografins historia – om den svårfångade gränsen mellan det registrerade, det sociala och det konstnärliga.

I ”The Art of the Archive” presenteras cirka 100 fotografier från 1920- till 1950-talen; negativen hittades av en slump 2001. Frågor om överträdelser och gränserna för det acceptabla, om i vilken utsträckning bilder som är avsedda för en publik av förhärdade experter och kriminologer bör läggas fram för den vanliga betraktaren, och om de omedvetna estetiska tendenser som konstnären antingen uppfinner eller plockar fram ur tomma intet, uppstår när man tittar på dessa bilder av brottsplatser, bevismaterial, offer, mördare med rånare och lik. Vid en viss punkt får man en märklig känsla: allt detta är på något sätt mindre chockerande än en Joel Peter Witkins verk och ändå visas här den riktiga saken, inte speciellt omarbetad av konstnären . Kanske beror det på att fotografiet ”arkiv och reportage” även på utställningen fortfarande uppfattas som en alltför bekant bakgrund.

Varje fotografi av Doug Menuz han tog dem under 15 år åtföljs av en utförlig kommentar om olika projekt i Silicon Valley, med början i hans arbete med Steve Jobs. Men det är svårt att kalla hela serien för en enhetlig berättelse. Det är snarare en samling berättelser där det visuella och det verbala spelar lika stor roll. När du går från kort till kort blir du alltmer medveten om att du inte bara tittar på en lärobok i historia. Man får en förvånansvärt sammanhängande bild av hur den amerikanska kulturen fungerar och varför innovationer har slagit rot så väl i den. Även här finns det ett direkt eko av den ”ideologiska” tvisten mellan Klein och Cartier-Bresson om fotografens o deltagande och o synlighet: Menyes var en ”inkluderad observatör”, som tillbringade dagar och nätter bokstavligen med sina karaktärer. Han kallar sitt projekt för ett ”visuellt antropologiskt sökande”.

Temat arkiv och historia fick en modern twist på biennalen genom två andra utställningar: ”The Artist with the Bad Camera” foton av Miroslav Tikhogo och ”Nine Eyes of Google Street View” av John Rafman. Dessa utställningar tycks berätta två helt olika och ganska motsatta historier. Den ena handlar om en tjeckisk avantgardekonstnär som marginaliserats av den totalitära staten. Den andra handlar om den moderna teknikens allt genomträngande, avpersonaliserade, men oväntat personliga syn på den, om det överväldigande informationsbrus som den skapar och som inte tillåter oss att förverkliga tanken på privatliv, distans eller ensamhet. Men båda väcker frågan om den tunna gränsen mellan det råa och det tekniskt perfekta, amatörism och hantverk, konstnärens känslighet och galenskap, konst och estetiskt ”skräp”.

När det gäller ämnet filmfotografi, fotografins tvillingbror eller syskon, har det dykt upp på Photobiennale inte bara i projekt som har ägnats åt filmskapare t.ex. de två utställningarna om Ingmar Bergman . ”Filmiskt” var till och med dokumentärfilmarens ”raka” utseende. Peter Hugos fantastiska och långvariga projekt ”Hyena and Other Humans” ställer frågor om tvångshandlingar och tvångslekar, om det naturliga och det konstgjorda i den sociala världen vilket är viktigare än att sluta tortera djur eller att uppmärksamma fattigdomen i de våldsamma människorna ?? . Oväntade glimtar av temat hördes till och med i The Los Angeles Archives, när det visade sig att polisfotografer jobbade svart och fotograferade skådespelare i studior i en av de ”mest filmiska” städerna i världen och imiterade film noir-genren.

En fotograf som blev filmare eller en regissör som blev fotograf – den vanliga vägen för en författare på 1900-talet. Vi är redan vana vid att festivalens vanliga gäst Sarah Moon presenterar sitt nästa projekt i år, ”Black Riding Hood”. Wim Wenders ”Pictures from the Surface of the Earth”, en fotografisk serie av den nya tyska filmens förgrundsgestalt, som regissören påbörjade i början av 1980-talet och som fortsätter än i dag, är ett slags ”visuell haiku”. De ”stämningsfulla” och ”atmosfäriska” färgpanoramorna i stort format påminner om Wenders filmer och Bechers elevers arbete och dokumenterar färg som livets flöde och gränserna för tomheten som koncept. Liksom bilderna av Chris Marker, filmskapare, fotograf och filosof, är de komplexa som en berättelse i en enda bild, bakom vilken det oavbrutna flödet av tid och avgrunden av fragment av en annan människas historia ligger som en gåta. I Stockholm har vi sett fyra Marker-serier och flera filmer samtidigt. ”Koreanerna” 1957 , en svartvit klassiker som togs under en resa till Nordkorea. Projekt What’s Her Hour?” 2004-2008 – suddiga, smygfotografier i Paris tunnelbana av en ”vänlig paparazzi”, som gömmer kameran i sitt armbandsur, skrattar åt något som ligger utanför ramen, tittar eftertänksamt åt sidan och bort på något som ligger utanför ramen. ”In Pursuit of Dürer” är en installation som handlar om att återvända till gamla gravyrer, ”Silent Film” 1995 och ”Empty People” 2005 är ytterligare två installationer som handlar om historiens olinjäritet och om att ställa bild, text och mening mot varandra. Och slutligen ”Runway” 1962 , en film bestående av fotografiska bilder som rekonstruerar tiden i diskreta komponenter och parallella rum, som berättar om huvudpersonens existens i tre tidsskikt.

När det gäller den Svenska delen av festivalen har den traditionellt sett varit ”svag” i jämförelse med västerländska utställningar. Intressanta utställningar var få, och till och med Harry Gruyeres Stockholm-upplevelse ”Stockholm 1989-2009” handlade mer om texter än om fotografi.

Bland utställningarna bör man definitivt nämna ”Selected Works” av Alexander Sliussarev, som endast innehåller svartvita tryck från 1966-1993., alla i författarens press, mestadels från familjearkiv. Utställningen överraskade positivt med sitt utmärkta curatorarbete, ett noggrant och genomtänkt urval som sammanförde det redan kända med det nya.

”Arkady Shaikhet. Fortsatt. 1928-1931”, en utställning gjord av Maria Zhotikova-Shaykhet, barnbarn till den berömda fotografen, väcker en intressant känsla. Trots att det i nästan varje bild i föreställningen finns en hymn till den socialistiska ekonomin – nya hus, pappersbruk, industrianläggningar – visar alla Shaykhets bilder på ett obegripligt sätt hela undersidan av vad som har gjorts: den fattigdom som det nya landet ärvde och den omänskliga press på människor som den nya regimen medförde. Och även det vanliga, vardagliga, privata livet, där man kämpar sig igenom allt förtryck – till och med förtrycket från staten, som har föresatt sig att göra om den mänskliga naturen. Särskilt intressanta i detta avseende var bilderna från Centralasien. ”Tidsmaskin. Färgen 1930- och 1970-tal av Vladislav Mikosha – ett eko av Primrose. Kameramannen, fotografen, den berömda krigsreportern och krönikören av det sovjetiska livet, som firade sitt 100-årsjubileum 2009, presenteras här som en av pionjärerna inom färgfotografin.

Filmtemat i den Svenska delen representerades av ett projekt för tioårsdagen av filmen ”Russian Ark” av Alexander Sokurov och utställningen ”Interior”. Natura. Vladimir Mishukovs ”Pavilion” bilder från inspelningen av Andrey Zvyagintsevs ”Elena” . Det är kanske det enda som finns – och sedan finns det små utställningar med flera stora samtidskonstnärer i Stockholms gallerier.

På det hela taget lämnar festivalen en ganska förbryllande eftersmak. När den eftertänksamma kritikern avslutar projektet och fräschar upp sitt minne av alla projekt, börjar han plötsligt se: Fotobiennalen visade de centrala trenderna i vår tid; den representerar verkligen en storskalig integritet. Dessutom fanns det som alltid många bra utställningar av västerländska konstnärer och av västerländska kuratorer MDF har alltid haft en utmärkt känsla för den färdiga produkt som bör tas med till Sverige . Men på själva utställningarna finns det en ständig och välbekant känsla av kaos och upplösning i olika delar, en brist på en tydlig struktur och ett tydligt övergripande koncept, men också ett moget och intelligent kuratorsarbete av Svenska specialister och en tydlig förståelse för den Svenska kulturens plats i den globala processen. Jag är inte alls säker på att ”allting” kan sammanställas av just den betraktare som inte är engagerad i en dygnet runt-analys av globala konstnärliga trender. Det är särskilt viktigt eftersom han i år fick ta itu med flera författare som är ganska svårsmälta och som inte är särskilt organiska i vår kultur. Jag vet inte hur många gånger jag kommer att behöva säga att det är dags att gå vidare och om detta budskap kommer att höras eller om festivalen kommer att fortsätta att stagnera som vanligt och gradvis förlora publikens intresse.

Ai Weiwei. En restaurang på Lower East Side. 1988

© Ai Weiwei. Artighet Three Shadows Photography Art Centre

William Klein Fyra kvinnor i en stormarknad, 1955 © William Klein

Vladimir Mishukov På inspelningen av Andrey Zvyagintsevs Elena

Doug Menyes Fearless Genius: Den digitala revolutionen i Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs talar om den tioåriga cykeln för teknikutveckling. Sonoma, Kalifornien, 1986

Okänd författare Kvinnliga poliser övar sig på att skjuta på en skjutbana. 1968

© Los Angeles polismyndighet Med vänligt tillstånd fototeka Los Angeles

Ingmar Bergman under inspelningen av ”Fanny och Alexander”

Fotograf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 36, 2007

”Samla dina tankar för att förbättra dina kunskaper” © Med tillstånd av Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Liu Bolin Urban Camouflage Series – 16, 2006

Medborgare och polisman nr 2 © Med tillstånd av Liu Bolin/Galerie Paris-Beijing

Harry Gruyaert Sverige. Stockholm. Vinzavod-distriktet. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

Vladislav Mikosha Stockholm. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

The Causeway Inn, Tampa, Florida, den 17 november 1977