Stilleben: död natur eller tyst liv?

Nästan alla traditionella målargenrer blev också traditionella genrer för fotografi om det var tekniskt möjligt när fotografiet började användas. Fotografihistoriens anmärkningsvärda artefakter – Niepces bilder på metallplattor med en slutartid på åtta timmar – var landskap och stilleben. Och om den första bilden, ”View out of the Window”, kan betraktas som det första ”raka” stillbildsfotot, så är den ”andra bilden” som tyvärr bara finns bevarad i reproduktioner – ett stilleben med en flaska, en bukett, ett glas och en bit bröd – ett exempel på ”konstruerad verklighet”, ett iscensatt fotografi med en genomtänkt komposition och, kanske, en viss symbolisk innebörd.

1. Andre Kertész. Gaffel, Paris, 1928

1800-talets stilleben inspirerades av en mängd olika konstnärliga traditioner liksom andra genrer av ung fotografi . Skulpturala byster, böcker, porslin, överdådiga druvklasar, blommor, en skalle, ett timglas, ett spel som har slagits… Tidens flyktighet, förväntningarnas meningslöshet, njutningen av jorden eller förhärligandet av ödmjukhet och glädjen över fotografins förmåga att fånga textur, skala och fina detaljer.

Stillbilder används ofta inte bara för att representera traditionella allegorier utan också som ett sätt att uttrycka specifika överväganden om fotografi och dess plats inom de sköna konsterna. Fotografihistorikern Ian Jeffery har noterat det anmärkningsvärda antalet stilleben som består av kratta, spadar, spadar och andra redskap för trädgårdsarbete och snickeri.

Fotografernas reflektioner över manuellt arbete verkar likställa deras eget arbete med hantverk – naturligt och ärligt. Men fotografiets anspråk på det graciösa är också uppenbart redan från början. Fotografi är en mystisk hybrid. De vackra stillebena, som liknar holländsk eller flamländsk målning, är både gjorda av människor och ”tagna”, erhållna, tagna, som vissa geologiska exemplar.

Ett av de mest ”fotografiska” stilleben som inte hade några traditionella analogier i det förmoderna måleriet är kanske ett stilleben utan motiv, som består av slumpmässiga föremål som är fotograferade i fragment eller från ovanliga vinklar och som endast är värdefulla för sin form. Det här stillebenet är från 1920-talet och början av 1930-talet. Det var en tid då man experimenterade med former och utvecklade nya konstspråk för att beskriva och analysera den föränderliga världen.

Visuella pussel, korsande plan av glas, speglar och papper, enkla och välbekanta skedar, gafflar och tallrikar arrangerade på ett ologiskt sätt, brutalt beskurna, dramatiskt belysta, som kommer in i och ut ur varandras rumsliga konflikter på ett kvickt sätt. Sedan finns det märkliga kombinationer av föremål som normalt sett inte skulle mötas på samma yta, men som oväntat kan skapa intressanta visuella intryck och oväntade associationer i ett fotografi. Sådana stilleben, som förtrollar med sin utsökta främmandegrad, användes snart i reklamen. Ett slående exempel är Paul Outerbridges berömda ”Collar” eller Edward Steichens annonser.

Första halvan av 1900-talet var tiden för fotografisk självdefinition, medvetenheten om sin egen estetik och filosofi, ett särskilt förhållande till verkligheten och symbolik, som skiljer sig från andra konstformer. Det klassiska tillvägagångssättet för stillbildsfotografering uppstod på 1930-talet, när f/64-gruppen tillkännagav sitt manifest. Fotografin kan, genom att använda sina naturliga konventioner och begränsningar utan att imitera måleriet, fånga, avslöja och förklara skönheten i det enkla vardagslivet och lyfta upp välkända föremål till en symbolisk generalisering. Krukväxter i krukor, ägg och mjölkflaskor, grönsaker, porslin och köksredskap kan förvandlas till smycken genom fotografering.

2. Alexander Sliussarev. 1970- och 1980-talen.

3. André Kertész. I Mondrians ateljé, Paris 1926

De modernistiska experimenten som belyste fotografins förmåga att visa det vanliga på ett ovanligt sätt samtidigt som de ger ett otvetydigt erkännande av verkligheten öppnade vägen för Edward Westons stilleben, som enligt Ansel Adams ”återskapar världen omkring sig och hittar det gemensamma i saker och ting”. De generationer av fotografer från Sudek till Mapplethorpe som har valt denna väg har inte gått längre än till ett begränsat antal motiv: glas, porslin, frukt, blommor… Genom sin mästerliga hantering av ljus och komposition skapade de många variationer av det klassiska stillebenet och vidgade vyhorisonten, utan att för den skull motsäga konventionella föreställningar om skönhet.

En fotograf som i dag ägnar sig åt stilleben kan använda sig av någon av de tidigare modellerna för att fortsätta traditionen. Många är dock mer intresserade av att analysera denna tradition och spekulera om fotografiets plats och roll som konst och dokument, och konstnären som tolkare. På så sätt blir stilleben ett verktyg för att studera stilleben.

Den amerikanska konstnären Sharon Corr återger till exempel minutiöst i sina fotografier stilleben av Raphael Peele, en konstnär från början av 1800-talet, och lägger nästan mer möda på att framställa dem än vad målaren själv gjorde på sina målningar och han målade en hel del . I ett försök att efterlikna tidens anda och stämning odlar Sharon Corr blommor och grönsaker i sin grönsaksträdgård liknande 1800-talssorter var mindre än de samtida , köper tallrikar och vaser från antikhandlare från början av 1800-talet och arbetar noggrant med färgerna för att få bilderna att likna målningarna. På samma sätt som Raphael Peel själv målade sina bilder med största möjliga realism och verklighetstrohet.

Vad får vi i slutändan?? Det vi ser är en målning eller ett fotografi? Gammal eller modern? Äkta eller falska? Originalet eller en reproduktion? Men i vilket fall som helst ser det på det hela taget sympatiskt och tilltalande ut. Kompositionen och färgerna är lugna, eleganta och traditionella. Är det bra eller dåligt, och framför allt, varför är det nödvändigt?? Vad förväntar vi oss av ett stilleben, vilken mening lägger vi i det??

Hur annorlunda är vår tolkning av ett sådant stilleben jämfört med 1800-talets betraktare?? Fotografen översätter minutiöst reproduktionen av en målning tillbaka till de objekt som den avbildar och gör fotografier som ser ut som reproduktioner av målningen. Finns det överhuvudtaget någon omedelbar verklighet, eller är den fördunklad för oss av de olika kulturella konstruktioner genom vilka vi ser den??

En annan författare – Laura Letinski – tar fram kompositionella stilleben enligt de bästa akademiska traditionerna med betoning på en vit duk eller ett draperi med genomarbetade veck . Teman som rör sig om att blekna, om tillvarons fåfänga och om den jordiska överflödets ändlighet, som är traditionella för stilleben, är också närvarande. Faktum är att nästan alla Letinskis stilleben handlar om just detta. Men de föremål som vi får se kan inte kallas heliga enligt en urgammal tradition.

Smutsiga plastmuggar, resterna, rester som smutsas oestetiskt på tallrikar, skrynkliga förpackningar och diverse skräp … Efterdyningarna av en överdådig fest eller en blygsam familjemiddag ser motbjudande ut trots den genomarbetade kompositionen, den intressanta belysningen och de subtila färgerna. Kanske skulle en målning mildra effekten lite, men ett fotografi visar oss en välbekant verklighet som det är svårt att abstrahera från.

Letinski utforskar möjligheten och kärnan i dagens stilleben. När hon började fotografera stilleben försökte hon vanligtvis sätta ihop dem av föremål med symbolisk betydelse, för att få dem att tala. Men resultaten av dessa försök ser avsiktliga, konstruerade och falska ut. Den moderna människan vars visuella uppfattning nästan helt och hållet definieras av fotografiet har för länge sedan slutat tänka i termer av symboler. De saker som avbildas har inte längre samma betydelse som på 1600-talet.

Kanske är stämningen viktigare än tecknet i det samtida stillebenet, och föremålen blir meningsfulla genom beskrivningen av dem. Fotografier och reaktionerna på dem avslöjar hur samhället förhåller sig till ämnet. Vi formar vår miljö, möblerar våra hus, konsumerar varor – mycket av detta sker omedvetet, men ändå är allt vårt beteende kulturellt betingat. Det är intressant att observera och upptäcka hur saker och ting sker. Våra reaktioner på ett fotografi, vår uppskattning och våra associationer, och hur allt detta definieras, är föremål för fotografens undersökning. Han använder stilleben som verktyg för sin forskning.

Fotograferna ägnar sig åt en liknande kulturell forskning och föredrar inte en ”konstruerad” verklighet utan en ”funnen” verklighet. Författare som Wolfgang Tilmans, Nigel Shafran och många andra närmar sig samma fråga från olika vinklar – fotografins förmåga att ge ett objekt betydelse, att skapa betydelser. Deras stilleben ser helt spontana och därför hånfulla ut. Betraktaren, som förväntar sig att konstnären åtminstone ska göra en minimal bearbetning av verkligheten, är förbryllad: vad är vackert med otvättad disk i diskbänken, tidningar som ligger kaotiskt utspridda på bordet, pappersbitar och cigarettfimpar i askkoppen??

Den konservativa betraktaren återkommer ständigt till filosofen Roger Scrutons postulat från några årtionden sedan: ett vackert fotografi är ett fotografi av ett vackert objekt. Om någon tycker att det föremål som avbildas på ett fotografi är vackert, är fotografiet också vackert. Det finns naturligtvis undantag som bara bekräftar regeln.

Fotografin har en arsenal som gör det möjligt att förvandla det fula till det vackra, vilket man till exempel kan se i Edward Westons och Irving Penns verk, som kan ge en ädel touch till en fula grönsak eller till och med en cigarettfimp, men deras ansträngningar är uppenbara för betraktaren, som uppskattar dem. Fotografen fångar inte bara saker och ting som de är, utan han har arbetat noggrant, han har gjort collage, han har framhävt vissa saker, han har dolt vissa saker. Fotografin ger verkligheten en ny mening och ett nytt värde och omvandlar den.

Men ”funna” stilleben är inte så enkla. Det är ofta de som ställer frågan: Hur ger fotografiet upphov till betydelser?? Hur mycket måste verkligheten förändras för att vi ska kunna beundra den?? Det kan vara så att den enkla handlingen att ta ett fotografi räcker för att det redan ska uppfattas som symboliskt? En hög med tallrikar växer, ljuset förändras, en blomma i en kruka blommar – och så fortsätter livet från dag till dag. Hur vi lever, hur vi omedvetet skapar ordning, gör konstruktioner av saker och ting, organiserar världen omkring oss? Och slutligen, varför vi inte vill betrakta det hela som ett konstverk, ett stilleben? Eller vill vi?..

4. Andrej Rogozin

5. André Kertész. Mondrians glasögon och rör, 1926