Alexander Kitaevs utställning på Lumiere Brothers Center for Photography var en verklig händelse i Stockholms kulturliv. Kitaev är en av de ledande fotograferna i S:t Petersburg, organisatör och kurator av många projekt och på senare tid en fotografihistoriker. I historien om fotografiska inspelningar av S:t Petersburg från Ivan Biankis tid fram till i dag, intar den obestridligen sin plats genom skapandet av en unik bild av staden. Kitaev’s huvud- och favoritmotiv, S:t Petersburg, representerades för första gången i en så stor skala. Utställningen omfattar 130 originalverk som skapats under ett kvarts sekel.
Månen. 1995 g.
Alexander Kitaev från intervjuer under åren:
”Det finns något som heter ’multi-tasker’, dvs. en person som är duktig på flera olika yrken. Jag är en seriefotograf.
”Min yrkesmässiga trosbekännelse har utvecklats genom många års erfarenhet: ”Gör aldrig det som efterfrågas i dag. Jag betraktar dagens arbete som en order, som ett våld mot den fria kreativiteten, som bara borde svara på själens inre rörelser.”.
”Vid ett tillfälle insåg jag att fotografiet hade absorberat allt annat i mig, att min blodsammansättning förutom röda och vita blodpartiklar även innehöll ljuskänsliga silverhalogenider och att jag inte var livskraftig utan deras ständiga känsla, att fotografiet hade blivit mitt sätt att leva, mitt sätt att uppfatta och kommunicera. Det var omkring 1987”.
”Kameran måste bli en förlängning av handen och frigöra huvudet så att det helt och hållet kan fördjupa sig i bildskapandet.”.
”S:t Petersburg är tidlöst för mig, och jag strävar efter att förmedla stadens oföränderliga andliga kärna som en person. Den är motsägelsefull, denna personlighet.
”Porträtten kommer aldrig att försvinna, eftersom alla människor på den här planeten först och främst är intresserade av sig själva, av de omständigheter som de föreslår eller antar. En annan sak är att porträttet inte lämpar sig för den samtida konstens förfinade intellektuella och formella postmodernistiska spel. För många konstnärer är det nu viktigt att ropa så högt som möjligt ”Jag är!!!”. Och den bryr sig inte ens om det finns ett eko. Och i ett porträtt kommer konstnären alltid i andra hand, med karaktären i första hand. Och porträttet är adresserat till åtminstone morgondagen. Och porträttkonst förutsätter åtminstone att man behärskar hantverket, skolan. Och allt detta är inte ”relevant” för samtidskonsten. Därför avstår många konstnärer idag från att måla porträtt. Jag å andra sidan är i eftertruppen. För mig är ”relevans” i förhållande till konst ett svordomligt ord.
Alexander Kitaev.Foto av Stanislav Chabutkin.
Isdrift på Moika. 2003 g.
– Alexander, under de senaste åren har du drastiskt minskat din utställningsverksamhet, dina separatutställningar har blivit sällsynta, som en semester. Vad utställningen har betytt för dig?
– Det fanns en tid då jag hade flera separatutställningar per år, för att inte tala om dussintals grupputställningar… Jag brukade fotografera och skriva ut mycket och jag ville att folk skulle få se frukterna av mitt arbete. Nu är jag mer och mer engagerad i fotografins historia och undervisar. Mindre och mindre tid för att organisera mina egna utställningar. Men om jag blir erbjuden att göra en utställning och villkoren är acceptabla, går jag med på det. Den aktuella utställningen består av flera serier och cykler av fotografier från det förflutna. Var och en av dessa serier var på något sätt en milstolpe i mitt liv, men de har aldrig ställts ut tillsammans. Utställningen kan knappast kallas ett resultat, snarare en retrospektiv utställning.
– Du är säkert en av de mest kända Svenska fotograferna. Är populariteten trevlig och hur fungerar den??
– Termen ”berömd” är knappast tillämplig på en fotograf. Den som står bakom linsen är sällan mer känd än den som står framför linsen. Kanske är det yrkets särdrag. Jag kan inte låta bli att tänka på arkitekter? Deras konstverk finns ständigt framför våra ögon, vi beundrar och njuter av dem, men väldigt få människor kommer ihåg deras ansikten eller namnen på konstnärerna. Det är samma sak med fotografer: de belyser och belyser världen runt omkring dem, men de befinner sig nästan alltid i skuggan. Vi kan alltså bara tala om en mycket begränsad popularitet, det vill säga en viss krets av människor vars yrkesverksamhet på ett eller annat sätt är kopplad till ”konsumtion” av fotografi.
Det faktum att jag, som du säger, är ”känd” i en viss krets har enligt min mening två helt objektiva orsaker. Jag har arbetat med fotografi länge och det har skett ett naturligt generationsskifte. Och i varje samhälle eller yrke måste det alltid finnas någon form av auktoritativ äldre. För närvarande är jag en av dem. Så det handlar inte om mina speciella talanger, utan bara om att jag har behållit min ursprungliga kreativa impuls och min känsla av mig själv, författaren, som en liten länk i en oändlig fotografisk stafett. Den andra aspekten har också att göra med tid. I början av 2000-talet, i och med den nya fotografiska tekniken, har fotografi fascinerat miljontals människor över hela världen. Många av dem vill förbättra sin hobby och letar efter någon att lära sig av och låta sig vägledas av. Många människor gillar mina bilder – därför är jag känd enligt lagen om stora tal.
Och när det gäller ”sympatier” och ”hur man lever”, ja, som med alla mynt finns det två sidor. Eftersom jag står i rampljuset måste jag titta på många bilder, de flesta dåliga. Och inte bara för att titta på dem, utan också för att säga något om dem, för att förklara, eftersom människor kommer till mig för att få råd, hjälp och utvärdering. Det är tröttsamt och gör ögat matt. Samtidigt gör min popularitet att jag kan lösa många problem med mindre ansträngning och energi. Oavsett om det handlar om att lägga bud med köpare eller förhandla med tjänstemän för att organisera utställningar.
– Hur man väcker konstnären i mig?
– Mycket beror på utgångsläget: familj, umgängeskrets, födelseort osv. Jag föddes, som man säger, i en ”enkel” familj. Mina föräldrar var bondebarn. Min far blev bilmekaniker och min mor blev sjuksköterska. Mina svärföräldrars sociala kretsar var alltså inte särskilt gynnsamma för kreativt arbete. Men de lärde mig att arbeta hårt. I min ungdom har jag förutom fotografering lärt mig många hantverk. Att arbeta på ett tråkigt, mekaniskt sätt har aldrig varit intressant för mig, och i varje yrke har jag uppfunnit något och varit kreativ. När fotografiet kom i förgrunden i mitt liv insåg jag att jag inte skulle kunna bemästra konsten, inte hantverket, på egen hand om jag inte ändrade min sociala cirkel jag arbetade som metallarbetare på en fabrik . På den tiden, i början av 1970-talet., Jag gick med i en av landets bästa fotoklubbar på den tiden, Viborg Palace of Culture Club. Det var det första steget. Senare, när jag redan arbetade som hantverksfotograf på en fabrik, försökte jag hårt och ihärdigt att utbilda mig i konst. Ytterligare ett steg: 1987 blev jag medlem i Mirror Photography Club, där atmosfären var full av kreativitet på den tiden. Och sedan hade jag tur: jag lärde känna och blev vän med den enastående konstnären och mångsysslaren Pavel Potekhin. Det var det som avslutade min konstnärliga utbildning.
Jag är övertygad om att titeln konstnär inte kan vara en titel i sig själv. I alla tider och i alla generationer av fotografer har det funnits fotografer vars verk har fallit i onåd hos allmänheten. För att skilja dem från mängden kallade deras samtidiga dem konstnärer. Jag har redan berättat någonstans att när mina utställningar öppnades och jag hörde från besökare: ”Titta, där är en konstnär”, brukade jag nervöst se mig omkring för att se vem han pratade om? Det visade sig att det handlade om mig. Det var mycket ovanligt. Den titeln är numera ganska komprometterad. Många universitet och andra högskolor utbildar konstnärer på samma sätt som ingenjörer och lärare i gymnasieskolor. Och många som tog upp en kamera beställde genast ett visitkort som visar att ägaren är fotograf och konstnär. Jag känner inte riktigt för att ansluta mig till de andra. Jag har en känsla av att saker och ting har blivit annorlunda nu för tiden. Begreppet ”fotograf-konstnär” har inte mer betydelse än uttrycket ”spårvagnspassagerare”.
– För att kunna ta så levande bilder av S:t Petersburg måste man känna till och känna den mycket väl. Hur formades din vision av staden??
– hur den var formad? Jag ska försöka berätta, men man ska inte tro att det var en medveten uppgift som jag fick i min ungdom. Det hände helt enkelt av sig självt. Jag har alltid läst mycket, och många verk har skrivits om S:t Petersburg av stora poeter och författare, och de har kommit in i världslitteraturens skattkammare. När jag tittar på det ena eller andra motivet i S:t Petersburg, vare sig det är ett torg, en gata, en byggnad osv. d., Jag visste redan något om dem från litteraturen. Men jag har alltid velat veta mer – biografin om det ämne jag är intresserad av: vilka är föräldrarna, när föddes han, vilken tid var det?? För att tillfredsställa denna nyfikenhet var jag tvungen att studera S:t Petersburgs historia, och därmed historien i allmänhet, S:t Petersburgs arkitekturhistoria och arkitektur i allmänhet, biografier över konstnärer och berömda invånare, och därmed geografin. Separat, S:t Petersburgs ikonografi, och därmed konstens historia. Det finns ett helt komplex, men jag kan inte berätta allt. För mig är en sak säker: Staden har format mig och min vision. Kanske valde han den för något. Och jag står i skuld till honom. Jag vet inte hur det gick till, men till skillnad från många av mina landsmän går jag inte på barrikaderna i kampen mot den ena eller andra innovationen i S:t Petersburg. Jag vet att ett ”geni på plats” kan klara av allt som inte passar honom, och Gud kommer att ordna resten. Det känns som om jag har bott i den här staden i över trehundra år och jag vet att inga taktiska ingripanden kan ändra dess strategi. Det är han, staden, som äger oss, inte vi!
När jag fotograferade min stad har jag aldrig tänkt på att sälja mina bilder och jag har nästan aldrig fotograferat på beställning. Jag var alltid kunden. Och jag försörjde mig och min kreativitet med en annan typ av tillämpad fotografering. Jag tror att den lämnade ett avtryck på mina bilder.
– Kan du nämna de fotografier som verkligen lanserade konstnären Alexander Kitaev??
– Du vet att jag arbetar i olika genrer? Jag minns mycket väl ett foto efter vilket jag sa till mig själv: nu kan du fotografera S:t Petersburg. Det vill säga, jag insåg att den känsla av S:t Petersburg som hade levt i mig hade jag lyckats förkroppsliga i ett pappersark med en bild av. Det var runt 1982, efter mer än tio års fotografering. Det var då jag kände i mig själv – och min omgivning kunde ännu inte se det – att något började växa fram som senare skulle kallas ”Kitajevs Petersburg” av kritikerna. I andra genrer var det mer eller mindre samma sak. Men när jag började göra fotogram omkring 1989 började jag genast att göra något som var helt annorlunda än vad mina föregångare hade gjort inom denna genre.
Joseph Brodsky förklarade en gång för sina elever att en poet alltid är ett pågående arbete, ett urval, och att poeten är något av Herkules. Hans bedrifter är hans dikter. Det är omöjligt att förstå Herkules genom en, två eller tre prestationer. Hercules är alla tolv. Det är samma sak med fotografi: man kan inte avgöra fotografens utgångspunkt eller skala utifrån en enda bild. Det är inte en herkulisk sak att kalla sina handlingar för ”bedrifter”..
– Var din oklanderliga kompositionskänsla en medfödd känsla eller ett resultat av hårt arbete och många års erfarenhet??
– Ingen av dessa saker. Här håller jag med Thomas Mann: ”En färdighet som man har ett inre behov av att lära sig, lär man sig ganska snabbt”.
Att fotografera är att bomba emulsionen eller matrisen med fotoner. Detta bombardemang är inte alltid målinriktat. Men du måste åtminstone göra det i ett gäng. För att inte hamna i rännstenen måste du lära dig att komponera. Kanske är denna färdighet snabbare och enklare för Petersburgare. Invånarna i Neva-deltat är omgivna av ett fantastiskt harmoniskt rum som skapats av förstklassiga arkitekter; museerna i S:t Petersburg är fyllda med mästerverk av fin konst, som ger exempel på en oklanderlig komposition. Det är från barndomen som ögat utbildas på ett okontrollerat sätt. Det enda som återstår är att utnyttja frukterna av denna uppfostran och få tag på den.
Jag vill påpeka att de så kallade kompositionslagarna inte är något som en gång för alla har upptäckts, studerats och rekommenderats som ett måste som garanterar framgång. Det mänskliga ögat blir mer och mer utrustat, och de klassiska termerna för kompositionslagarna formulerades under konstens barndom, när de fortfarande var ganska enkla verktyg. ”Tonalt och linjärt perspektiv”, ”rytm”, ”intrig och kompositionscentrum”, ”variation” osv. p. – Ingen har någonsin avbrutit den. Men en samtida konstnär använder objektiv med ultravidvinkel eller ultralång fokus, fotograferar med infraröd film eller tittar in i det osynliga med röntgenstrålar, osv. d. Allt detta bryter mot de vanliga föreställningarna om rum och motiv, vilket får mig att behandla kompositionsreglerna kreativt, att anpassa dem till den moderna synen på människan. Enligt min åsikt uppstår kompositionslagarna alltid genom det faktum att arbetet utförs. En konstnär skapar ett perfekt verk inte genom att läsa en lärobok utan genom att lyssna på något från ovan. En teoretiker kommer in, dekonstruerar bilden, väger den, rör vid den, mäter den och sätter allt på sin plats. Sedan skriver hon recept för att göra mästerverk.
– Den ständiga strävan efter perfektion är en strävan efter något omöjligt och ouppnåeligt?
– Nej! Det är just önskan att uppnå största möjliga. Det finns en slags stämgaffel i mig som jag lyssnar på för att veta om jag har uppnått eller inte. Precis som i alla konstarter finns det två aspekter här: teknik och själva konstnärskapet.
När det gäller tekniken är det så här. Du vet att jag fortfarande arbetar med silverteknik? Och till skillnad från den digitala versionen kan du inte ta ett steg tillbaka. Hela den silverfotografiska processen, med sin obligatoriska bildbehandlingscykel i flera steg och utan ögonblick, ger livet en viss rytm. Den silverfärgade 35 mm-filmen är bara 1,80 meter lång. Men varje gång du tar itu med det går du ner på knä. Du måste exponera den på rätt sätt, och du kan inte ”rengöra” filmen och exponera den igen. Du kan inte manifestera utan att åtgärda, åtgärda utan att skölja, skölja utan att torka osv. d. Det är disciplinering. Det tvingar en att gå framåt, mot det ideala, perfekta negativa, eftersom det andra steget innebär att man skapar ett inte mindre perfekt avtryck – ett positivt. Även här finns det många finesser, ansvarsområden och fallgropar. Här är ett exempel. Att arbeta med naturpapper kräver alltid två händer. Det vet alla grafiker. Grafiker har alltid kunnat känna, och jag lärde mig att känna pappret, dess struktur och densitet, dess beteende i längs- och tvärled. Jag har alltid uppskattat den taktila kontakten med henne. Och hur stötande det var för dem, och senare för mig, att slarvigt hantera ett pappersarbete! En köpare kommer och tar ett pappersark med en hand – det är det, det går garanterat sönder! För att inte tala om fingeravtryck … Man ser genast att det framför en amatör med en ficka full av sedlar i omlopp står.
Det är den ena sidan av frågan. Den andra är att en fotograf som vill vara kreativ måste pressa labbassistenten ur sig en droppe i taget. Åh, hur många av mina kollegor tror att ett perfekt tryck är ett konstverk och glömmer att ett konstverk inte så mycket är en produkt som ett budskap. Bildtekniken är idag så bra att vi är helt omgivna av tekniskt kunniga fotografiska bilder. Men om de avbildar eller återspeglar något är det oftast skaparens ganska primitiva inre värld. Och den ger ingenting till en sofistikerad tittares själ eller hjärta. Här tillåter jag mig återigen att citera Brodsky: ”Ett av de största problemen för en poet idag, oavsett om han eller hon är samtida eller inte, är att den poesi som föregår honom eller henne – med andra ord arvet – är så omfattande att det helt enkelt inte finns någon tvekan om huruvida man kan lägga till något till det, modifiera sina föregångare eller förbli sig själv. …Att tro att man kan säga något kvalitativt nytt efter människor som Tsvetaeva, Akhmatova, Auden, Pasternak, Mandelstam, Frost, Eliot…., – är att vara mycket arrogant eller mycket okunnig. Jag skulle placera mig själv i den sistnämnda kategorin. När du börjar skriva vet du inte mycket om vad som har gjorts före dig. Det är först i mitten av livet som man får denna kunskap, och den spikar fast en i marken eller hypnotiserar en”.
– När du bedömer ditt eget arbete litar du bara på dig själv?
– Under de senaste åren har jag försökt lyssna bara på mig själv. Jag har redan talat om den interna stämgaffeln. Det finns få artister som är i samklang med mig, men jag vill inte dansa efter någon annans melodi. Jag vet inte ens vad jag ska lägga till.
Men du behöver inte alltid lyssna på dig själv. Låt mig berätta en sådan här historia. När jag var fotograf på ett skeppsvarv irriterades jag av produktionsorderna som tvingade mig att göra kopior av de fotografier jag hade tagit på ädla silverpapper. Jag tänkte att jag kunde utnyttja varje pappersark bättre – skriva ut ett skönlitterärt verk eller till och med en ”netlennka” på det. Det var särskilt irriterande när det cirkulerade elektriska scheman över den ena eller andra anordningen på en ubåt eller ett ytfartyg. Det fanns redan fotokopierare och fotokopierare – snabbare och billigare. Men nej! Sjömännens krav var oföränderliga: endast silvertryck! Jag började undersöka saken och det visade sig att i en aggressiv miljö är det bara den gamla goda silvertekniken som bevarar bilden och därmed hjälper till att rädda fartygets besättning i nöd. När det gäller människans överlevnad i extrema situationer, hur kan man då säga emot?? Att mina konstnärliga ambitioner jämfördes med människors liv?
– Hur utvecklades förhållandet till hans kollegor, fanns det en önskan om deras erkännande??
– Det är olika i olika skeden. En gång i tiden var det säkert viktigt att få erkännande från sina kollegor. Och det är därför. Historiker från sovjettiden skrev om fotografer från det förrevolutionära Sverige, till exempel att ”Dmitrievs kreativitet utvecklades under tsartidens svåra förhållanden”. Nu säger människor ofta att de växte upp under outhärdliga förhållanden i ”Sovjetunionen”. För fotograferna förvärrades de ”allvarliga förhållandena” av att de sovjetiska institutionerna absolut inte erkände fotografi som en konstart. Men vi fotografer trodde annorlunda! Dessutom arbetade vi i ett informationsvakuum och visste och såg mycket lite av våra utländska kollegers arbete, både föregångare och samtida. Därför var vi tvungna att lära oss mest av varandra. Det fanns inga andra specialister! Detta är en egenhet hos hemfotograferna. Jag minns att det efter perestrojkan kom en våg av gallerister, curatorer och konstkritiker från väst som försökte ta reda på vad deras Svenska kollegor kunde berätta om vår samtida fotografi. De var förbluffade: ”Vad? Foto? Finns det sådana konstnärer??”. Så fotografi, liksom sex, kunde inte existera i Sovjetunionen..
Sedan kom andra tider, andra attityder. På något sätt fick jag erkännande av mina kollegor. Jag vet av erfarenhet hur svårt det är att behålla den rena uppfattningen och uppskattningen av gamla vänners och bekantas verk. Jag vill ha ett avstånd. Då är det åtminstone något som liknar uppfattningen om absolut storlek.
Petersburg. 2005 g.
Träd. 1992 g.
Garden Street flodmynning.1995 g.
Självporträtt med barn. 1995 g.
Mars. 2008 g.
Bypass-kanal. 1995 g.
Pikalovbron. 2003 g.
Vem är Alexander Kitaev och vad gör han i Petersburg? Jag är nyfiken på att veta mer om hans historia. Finns det någon information om honom eller något intressant som jag borde veta?