Boris Smelov – fotograf med ett perfekt rykte

Den legendariska fotografen Boris Smelovs verk från S:t Petersburg är av stort intresse för konstkritiker, konsthistoriker, teoretiker och fotoentusiaster. År 2009 ordnade det statliga Eremitagemuseet den största utställningen av hans fotografier. Ingen är likgiltig inför ett omnämnande av Pti-Boris. Varför? Vi har försökt besvara denna fråga genom att citera olika synpunkter, minnen och bevarade citat från Boris Smelov själv.

Självporträtt. 1997

Fotografen Boris Smelov blev en legend inom fotobranschen i S:t Petersburg när han fortfarande levde.

– Du vill ha sol och måne, översvämning och snö i samma bild??? Men det är världens undergång?

– Ja.

Ur en dialog mellan Boris Smelov och Masha Snigirevskaya

Nicholas Bridge. 1995

Arkady Ippolitov

Förste forskare, avdelningen för västeuropeisk forskning

Konsthantverk vid det statliga Hermitage-museet,

Boris Smelov, författare till konceptet och curator för utställningen. Retrospektiv”

Statliga Eremitagemuseet, 20 mars – 28 juni 2009

Fotografen Boris Smelov 1951-1998 blev redan under sin egen livstid en legend inom fotografiet i S:t Petersburg, en levande klassiker som alla som på något sätt var förknippade med fotografisk konst dyrkade.

Varje mer eller mindre synlig fotograf i S:t Petersburg idag har inte undgått dess inflytande. Den bild av S:t Petersburg som han skapade är inte bara ögonblicksbilder av kvalitet, utan definitivt det mest uttrycksfulla uttalande som gjordes om denna stad i slutet av förra seklet, ett uttalande som är lika viktigt som Brodskys poesi.

Hans verk är det mest värdefulla och ljusaste fenomenet i S:t Petersburgs kultur från 70-90-talet., som är kopplad till S:t Petersburg, tillägnad S:t Petersburg och definierad av S:t Petersburg, men som når en internationell nivå, eftersom hans bilder kan jämföras med de högsta exemplen på världsfotografi.

Ljudet av en oboe. 1972

David Galloway. Skuggornas stad. Tårarnas stad

Prof. David Galloway

historiker för samtidskonst,

konstkritiker ARTnews, International Herald Tribune ,

redaktör för Art in America,

Kurator för internationella utställningar,

författare och förläggare av flera konstböcker

Det är intressant att föreställa sig hur Boris Smelov skulle ha reagerat på den digitala revolutionen inom fotografi, som bara började sprida sina vingar över världen 1998, när han dog. Å ena sidan hade fotografen alltid varit fascinerad av fotografiska tekniker, och han beklagade sig ofta över hur svårt det hade varit att skaffa den senaste utrustningen och materialet i Sovjetunionen, där endast journalistisk fotografering och amatörfotografering var officiellt erkänd. Smelov hade dock förstklassiga kameror och tryckte alltid på fotopapper av hög kvalitet. För honom var det uppenbart att den tekniska utvecklingen naturligtvis leder till kvalitativa förändringar. I en intervju som publicerades 1988 uttryckte Smelov tanken att automatiska kameror och nya tekniker för framkallning och tryckning hade vidgat ”kreativitetens horisonter, berikat fotografernas bildspråk och till och med deras syn”. Men han var inte entusiastisk över alla innovationer: ”Att kunna göra ett bra ’kort’ utan att ha någon intelligens eller kultur riskerar att fördumma fotografiet”. Det är inte förvånande att han förutsåg det fenomen som många senare såg som baksidan av den digitala estetik som översvämmade konstmarknaden i slutet av förra seklet: utan författarens syn på världen, utan konstnärens mänskliga hållning, är resultatet ”tomt och kallt”.

Nyckelordet i Smelovs tankar om fotografi är alltid ”kultur”. När han fick frågan om vilken utbildning en fotograf helst skulle ha svarade han att det skulle vara nyttigare att inte ha en teknisk utbildning, utan en humanistisk – filosofisk, psykologisk, konsthistorisk – utbildning. Även om många säger att ”bilder talar mer än ord” är det värt att notera att Smelov bland de ämnen som var viktiga för den framtida fotografen inkluderade främmande språk i sin läroplan.

Hans fotografier var vittnesbörd om en hängiven hantverkare som älskade Dostojevskijs filosofi, Van Goghs målningar och Mozarts musik, men som också läste teoretiska verk av Siegfried Krakauer och Roland Barthes och som var generös med beröm när han bedömde sina kollegers verk. Hans favoriter inom fotografi var Henri Cartier-Bresson och Josef Sudek, som lärde honom den viktigaste lärdomen: ”Varje föremål i den materiella världen har en egen själ.

I början av sin karriär som fotograf gjorde Smelov porträtt av författare och konstnärer från undergroundvärlden, inklusive honom själv, och ibland arbetade han med stor framgång i stillebengenren. Hans stilleben med granatäpple 1988 och stilleben med en böjd spegel 1991 är verkliga mästerverk i genren. De visar hur väl Smelov kände till renässansens målningar.

Men i grunden var han en fotograf och krönikör av staden – inte vilken stad som helst, utan Leningrad/St Petersburg, där han föddes och dog. Han fortsatte därmed den stora traditionen av stadsfotografering, som hade börjat på 1800-talet med denna konstform. Det var en tid av snabb urbanisering och industrialisering. Kontrasten mellan rikedom och fattigdom, mellan soliga boulevarder och mörka gränder, mellan lyxiga offentliga byggnader och skrangliga hyreshus var en outtömlig inspirationskälla för bilderna.

Smelovs verk ”Tuchkov Lane” 1995 visar att kontrasten har behållit sin kraft flera decennier senare. I det här fotot, som kännetecknas av en strikt geometrisk komposition, ser vi en äldre kvinna som stödjer sig på en käpp och försiktigt går längs en smal ljusremsa som löper parallellt med den ansiktslösa väggen på en rektangulär byggnad. Hennes väg går genom en skuggig gränd, där flera träd syns i djupet: det skulle kunna vara en park, ett av fotografens favoritmotiv. Skuggorna i förgrunden kommer uppenbarligen från ett träd, som inte syns i bilden. Motsättningarnas språk är enkelt men ändå rikt och uttrycksfullt: ljus och mörker, arkitektur och natur, människan och det anonyma stadslandskapet. I andra verk, inklusive dystra skisser som Man with a Bucket 1974 och The Wall 1975 , finns det ingen natur, bara dystra labyrinter där osynliga invånare samlas. Dessa verk representerar en särskilt viktig och händelserik period i Smelovs konstnärliga biografi, då han för första gången fick ett offentligt erkännande, men samtidigt började han bli förföljd av myndigheterna som 1975 stängde hans utställning på Vyborgsky Palace of Culture och konfiskerade de verk som ställdes ut där.

I Smelovs stadslandskap ser man sällan en mänsklig figur, och de människor som finns till exempel i Two Figures in a Back alley 1971 är i själva verket namnlösa statister, som uppenbarligen attraheras av konstnären på grund av det intressanta ljus- och skuggspelet, och inte som individer. ”Silver Boy 1995 är ett slående undantag från regeln: i denna komposition är människofiguren det verkliga centrumet. Men majoriteten av de figurer som förekommer i Smelovs bilder är inte mänskliga: de är stenstatyer på en kyrkogård, statyer som pryder en fontän eller en bro, som kentauren som är så elegant balanserad i ”Pavlovsk, Centaur’s Bridge I” 1975 och ”Pavlovsk, Centaur’s Bridge II” 1994 . Det är intressant att notera att det senare verket uppmärksammar den naturliga miljön, medan själva skulpturen nästan helt och hållet absorberas av skuggan.

Smelov har också arkitektoniska studier som gränsar till geometrisk abstraktion. Ljus som faller diagonalt genom fönster, bågar som genomkorsas av gränsen mellan ljus och mörker, spiraltrappor och balustrader – dessa motiv har uppenbarligen lockat konstnären genom sin form. Men Smelov, som var intresserad av samtida filosofi, kunde också ha sett existentiella konnotationer i dem. Dessa stadsbilder från S:t Petersburg har en mystisk och sorglig prägel – delvis på grund av att Smelov sällan fotograferade i starkt solljus. Ibland ser vi kvällens blekta ljus i bilderna, men mest av allt älskade konstnären det tidiga morgonljuset, när solens strålar precis började skingra dimman över en kyrkogård, en bro eller en lekplats. Skuggorna på morgonen är långa och djupa, vilket gör att de framhävda detaljerna framstår som särskilt ljusa. När vi tittar på Smelovs fotografier ser vi inte Leningrad/Petersburg som den ljusstad som arkitekterna under Peter den store ville ha. Trots all den prakt som finns i denna stad är det en värld av skuggor och ofta en värld av tårar. I en artikel med titeln ”After Raskolnikov: Russian Photography Today” skriver kritikern John P. Jacob kallade Smelov ”en mästare i den spiritualistiska estetiska skolan”. Serien ”In Memories of Dostojevskij” skulle kunna fungera som ett slags berättelse om hela konstnärens konstnärskap, som är utomordentligt begåvad och utmärkande inom fotografisk konst.

Hay bridge höstig bro . 1993

Boris Smelov. Från intervjuer under åren

Sekretess är nödvändig

Sovjetiskt foto. 1988. № 10.

– Vad menar du med framgångar och misslyckanden??

– Mina största misslyckanden har alltid varit de tekniska aspekterna av fotografering, hantverket, när jag på grund av otålighet och krångel ohjälpligt förlorat de bästa bilderna vid fotografering eller i laboratoriet. Lycka är en tillfällighet mellan kreativa intentioner och en föraning om ett skott och slutresultatet. I allmänhet anser jag att jag är en person som fotograferar känslomässigt och intuitivt, och när jag fotograferar litar jag mer på mina känslor än på mina preliminära idéer. Men samtidigt, se det inte som mystik, jag brukade drömma om många fotografier, och sedan, flera år senare, såg jag dem med mina egna ögon. Och jag har tur om jag har min kamera och film med mig vid sådana tillfällen.

– Vad kan och bör man göra för att undvika ”opersonlig” fotografering??

– Vad vi saknar i dag är en seriös teori om fotografi. Det finns praktiskt taget ingen tillströmning av ung, fräsch energi.

Frågan om utbildning för fotografer är mycket viktig för mig. Själv känner jag bristen på utbildning mer och mer smärtsamt med stigande ålder. Det är intressant att de flesta av dagens fotografer har en teknisk utbildning, medan det skulle vara mer användbart att ha en liberal konstutbildning – filosofisk, psykologisk, konsthistorisk och till och med kunskaper i främmande språk. Man måste kunna läsa konsthistorien med lätthet för att kunna skapa ny historia. En konstnär måste känna till det förflutna bättre än nuet, som han eller hon kan uppfatta på en intuitiv nivå. En författares kultur visar sig alltid på ett eller annat sätt i hans verk. Jag tror att utan en kärlek till Dostojevskijs filosofi, Van Goghs målningar eller Mozarts musik skulle inte bara jag själv utan också mina verk ha varit fattigare.

– Och den sista frågan. Finns det någon egenskap som ett lyckat fotografi har??

– Kontrollera. Det måste finnas ett mysterium i det. Annars skulle dess många betydelser gå förlorade.

Bilden av staden

Subjektiv. 1995. № 1.

Min fotografering domineras av staden, även om jag på senare tid har fokuserat mer och mer på människorna i staden för att ge den liv och det är den enda anledningen . Jag fotograferar infrarött på specialfilm. Tidigare brukade jag fotografera med högkänsliga emulsioner och röda filter för att uppnå ett slags dramatiskt, koncentrerat utseende. Infraröd film fascinerar mig eftersom den ger en ny kvalitet och en helt annan grafisk effekt. Svårigheten med att ta bilder är att du inte kan få rätt exponeringsmått. Den här filmen är meningslös i automatiska kameror där känsligheten införs. Det fina med att arbeta med den är att man lägger till ytterligare en parameter och ibland vet man inte vad som kommer att hända, trots många års erfarenhet. Ju längre bort du bor, desto mindre förstår du ljusets effekt på emulsionen. Vi är vana vid att inte ta hänsyn till värmestrålning, men här påverkar föremålens temperatur den totala exponeringen – och det finns absolut inget sätt att mäta den effekten. Naturligtvis måste vi göra kopior, även om det är synd att överföra dyrt material. En sak till: att fokusera ordentligt på den här typen av film är annorlunda än att fokusera normalt. Himlen är mycket mörkare, grönska är ljusare, det ser ovanligt ut. Det är därför man behöver en speciell metod för komposition som tar hänsyn till alla dessa särdrag.

Genom att fotografera på infraröd film kan jag understryka en viss kosmopolitism i staden, dess objekt, dess epicitet, dess betydelse och dess tragedi. Och de bilder som tagits med vanlig film i dimmigt väder, med tanke på begränsningen eller avsaknaden av bakgrunder, är i huvudsak bara förgrunden, och med den känsliga pärlgråheten understryker de en viss lokal lyrik. Men jag måste säga att i båda fallen är det romantiska förhållningssättet som dominerar mitt fotograferande.

Mitt hem

Från en intervju 1993. till utgivaren av ”Winter Petersburg” 1997 .

– Hur länge har du filmat i allmänhet och på vintern??

– Förmodligen sedan jag frös händer och fötter av mig när jag var tretton år gammal.

– Vad kan du nämna som några av vinterfotografins egenskaper??

– när temperaturen plötsligt sjunker och objektivet blir dimmigt under jackan eller till och med i väskan, så ta en titt i sidled på kameralinsen innan du tar bilden!

– Vad är det som är så tilltalande med att fotografera staden S:t Petersburg, och särskilt vinterfotografering av städer??

– Grovt sett ingen smuts. Mer subtilt uttryckt, allt som utformas och för övrigt förverkligas av alla europeiska arkitekter. Vintern är definitivt renande, precis som Neva i översvämningarna, men på ett annat sätt.

– Vilka ögonblick från vinterfotograferingen kan du minnas??

– Vintertaket faller: jag lyckades, som en katt, ”rycka” mig genom vindsfönstret, men kanske förgäves..

– Vad en fotograf bör ha för att ta bilder på vintern?

– Jag tror att ”Team Cousteau” bör rådfrågas här. Det skulle vara bra att sätta dem i Neva, det är allt! Allvarligt talat är det skorna som räknas. Valenches är bra, men inte särskilt bra. Varför?? Perfekt för landsbygden, men låt oss säga på ett hustak, din trånga fot kommer inte att öka din smidighet.

– Styr du eller förlitar du dig på slumpen??

– Ett intuitivt fall – när snö, förbipasserande, bro och hus smälter samman till oföränderlighet, det vill säga till öde.

– Vilka av fotografins mästare har påverkat dig??

– En intim fråga. I den bemärkelse som hans iscensättning innebär för den vanliga människan – vem liknar du mest?? För den här köper jag den, men för den andra väntar jag tills du dör själv.

Ur katalogen till utställningen ”Boris Smelov”. Retrospektiv” på det statliga Eremitagemuseet

20 mars – 28 juni 2009.

Tack till Boris Smelov-stiftelsen för de texter och foton som tillhandahållits för publicering.

För Hermitage-utställningen finns albumet ”Boris Smelov. Retrospektiv” KERBER Publishers, 448 sidor., på Svenska och engelska, 3500 exemplar., Säljs i alla konstbokhandlar i Europa och USA .

Sour lover. 1975

Fläckiga liljor. 1987

Silver Boy. 1995

Valpsäljare. 1972

Paret Florensky. 1981

Vit katt. 1993

Titta ner. 1975

Fontanka på vintern. 1987

Foto: Boris Smelov